Huminal, la sofisticazione elettronica di Jelle Jansen

Jelle Jansen, sotto il suo alias Huminal, ha creato un mondo musicale unico nel panorama dell’elettronica contemporanea. Grazie alla sua capacità di fondere suoni organici e analogici con strutture ritmiche pulite e incisive, Jansen trasporta gli ascoltatori in mondi sonori vibranti, dove l’eleganza melodica si sposa con una precisa ricerca tecnica. Il suo background artistico, radicato nella techno, nella progressive house e nell’elettronica, si riflette in ogni traccia, regalando esperienze sensoriali profonde. Huminal non si limita a produrre musica elettronica, ma crea vere e proprie opere d’arte sonore, influenzate da colonne sonore cinematografiche e da un design sonoro inconfondibile. Le sue produzioni, ricercate e raffinate, hanno conquistato alcune delle etichette più prestigiose, come This Never Happened, Einmusika, ZeroThree e Sudbeat, portando il suo nome all’attenzione di un pubblico sempre più vasto.

Huminal è la prova che l’elettronica può andare oltre la pista da ballo, diventando un viaggio emotivo e intellettuale. In questa intervista esclusiva, Jelle Jansen condivide i suoi processi creativi, le ispirazioni e la sua visione della musica elettronica, esplorando la sua evoluzione artistica e le sfide per mantenere un suono distintivo in un panorama in continuo cambiamento. Di seguito, l’intervista integrale.

Puoi parlarci della tua ultima uscita? Stai lavorando anche a un album? Puoi condividere qualche dettaglio sui tuoi ultimi lavori? Come riflettono la tua direzione creativa attuale e lo stile raffinato per cui sei conosciuto?

Entrambe le tracce del mio nuovo EP hanno il mio tipico suono melodico ed emotivo, ma con toni distinti. “Mountainside” ha un accenno di malinconia, mentre “Tomorrow’s Hope” risulta più edificante. Penso che per questo motivo si completino davvero bene a vicenda. “Mountainside” è nato da un momento personale in mezzo alla natura. Mi sono improvvisamente sentito così piccolo e connesso a tutto ciò che mi circondava. Era come se il paesaggio mi avesse inghiottito, e ho provato una sensazione di serenità e malinconia allo stesso tempo. Quell’esperienza è stata la mia ispirazione per la melodia principale di “Mountainside”. “Tomorrow’s Hope” riguarda la cattura di un senso di ottimismo per il futuro. Volevo creare un paesaggio sonoro che trasmettesse un senso di speranza, come se ti stesse portando verso un domani più luminoso. La melodia principale è nata in modo abbastanza spontaneo mentre sperimentavo con la manopola glide del Minimoog. Sono riuscito a dare alla melodia una texture unica, quasi fluida. Parla di quei momenti in cui riesci quasi a vedere la luce alla fine del tunnel, e senti quella scintilla di speranza che ti guida avanti.

La musica elettronica spesso abbraccia un ampio spettro di suoni. Su quali elementi ti concentri per mantenere la raffinatezza nella tua musica?

Il mio suono è caratterizzato da progressioni melodiche con un focus sulla profondità emotiva. Mi piace chiamarlo “musica da ballo colorata e vibrante”. Elementi che utilizzo spesso nelle mie tracce sono linee di basso dinamiche e certi effetti come il Crystalizer (di Sound Toys). Mi piace cambiare regolarmente il mio set di suoni per mantenere le cose interessanti sia per gli ascoltatori che per me stesso.

Secondo te, cosa distingue la musica elettronica raffinata dai generi elettronici più mainstream?

Definire ciò che è mainstream rispetto all’underground è sempre complicato—dove si traccia la linea? In generale, con la musica dance mainstream (come l’EDM), sento che l’emozione e il messaggio sono spesso esagerati. È come se il brano stesse urlando: “SENTI QUESTO!”. C’è poco spazio per l’interpretazione personale. Al contrario, con la musica elettronica più raffinata, come ad esempio Aphex Twin o Jon Hopkins, o con musica che non è destinata alle masse, il messaggio è più sfumato. L’ascoltatore ha lo spazio per sentire le cose in modo più ampio e personale.

Come è evoluta la tua comprensione del suono nel corso degli anni, e come continui a spingere i confini rimanendo fedele alla tua estetica raffinata?

Penso che nel corso degli anni ho smesso di concentrarmi esclusivamente sui dettagli tecnici per abbracciare un approccio più olistico. Ho capito che la grande musica non riguarda sempre la precisione, ma più il sentimento emotivo generale che trasmette all’ascoltatore. Specialmente sulla pista da ballo, noto che temi chiari e impatti forti funzionano meglio di musica molto stratificata e dettagliata. Anche se il mio suono evolve continuamente, spero che le persone possano ancora riconoscere il mio stile.

Cosa ispira le tue scelte di sound design, e come riesci a bilanciare complessità e accessibilità nella tua musica?

Amo lavorare con campioni, specialmente quelli che registro io stesso. Porto spesso con me il mio registratore quando viaggio, ad esempio durante escursioni in montagna. Quando torno in studio, manipolo pesantemente le registrazioni ed esperimento. Questo processo porta quasi sempre a suoni unici che non posso ottenere da nessun pacchetto di campioni o plugin. Radicando gli elementi sperimentali in strutture familiari, come un ritmo solido o una melodia, posso esplorare texture più complesse e uniche senza perdere accessibilità.

Man mano che la musica elettronica continua a evolversi, come ti assicuri che il tuo stile rimanga rilevante senza compromettere la sua eleganza unica?

Cerco di rimanere consapevole delle tendenze e di capire cosa risuona con il mio pubblico, ma lo faccio sempre attraverso la mia lente artistica. La mia principale fonte di ispirazione è la musica di altri grandi produttori, e semplicemente ascoltando molti nuovi dischi, raccolgo idee che poi incorporo nelle mie produzioni. Credo che la mia musica non debba sempre rientrare in una categoria specifica, finché rimango fedele a me stesso.

Qual è il ruolo della sottigliezza e della sfumatura nella creazione di un dj set memorabile? Come incorpori queste qualità?

Penso che sia molto importante conoscere l’energia e l’umore delle tue tracce come dj: è essenziale per creare un buon flusso nel set. Vuoi portare le persone in un viaggio, che richiede momenti di calma e tensione per rendere i picchi davvero impattanti. Lo paragono spesso allo zucchero: se ne aggiungi troppo tutto in una volta, sovrasta i sapori, rendendo tutto piatto. Ma se ne aggiungi la giusta quantità, può fare magie.

Chi sono stati alcuni dei tuoi più grandi influenzatori nella creazione del tuo approccio sofisticato alla musica elettronica?

Trentemøller, Stephan Bodzin e Boards of Canada hanno plasmato il mio suono nei primi anni di Huminal. Le texture degli album elettronici di Trentemøller, l’intensità melodica di Bodzin e i suoni nostalgici e analogici di Boards of Canada mi hanno fornito una base che influenza la mia musica ancora oggi.

Qual è il tuo approccio nel creare un’atmosfera durante le tue performance? Come fai in modo che l’energia della sala si allinei con la natura raffinata del tuo suono?

L’atmosfera che creo dipende davvero dall’evento e dall’energia che voglio trasmettere. A un festival estivo, suono di solito tracce più edificanti e sognanti. In un club oscuro, invece, preferisco suoni più profondi e cupi, adatti all’ambiente. Anche la durata del set è importante. Per un all-nighter, adoro iniziare lentamente, intorno ai 119 BPM, con tracce deep house più atmosferiche, e gradualmente passare a tracce melodiche più energetiche, intorno ai 125 BPM. Puoi sentire questa progressione nel mio set all-nighter dell’anno scorso. Per set più brevi, come uno slot da 1,5 ore in un festival, mantengo un’energia alta fin dall’inizio con più picchi per mantenere il pubblico coinvolto. Il mio set al Komm Schon Alter Festival di quest’anno è un buon esempio.

Okay, questa è una domanda strana: ma cosa pensi del suono dei bassi e delle basse frequenze nel mondo della musica elettronica?

Nel corso degli anni ho realizzato sempre di più quanto siano importanti le basse frequenze nella musica elettronica, specialmente sulla pista da ballo. Calci e bassi possono evocare una sensazione nello stomaco che le frequenze più alte non possono raggiungere. Ma ovviamente si tratta di trovare l’equilibrio perfetto alla fine.